什么是「水墨画」？
水墨画，按其字面内涵理解来看，乃是借助调配了浓度的水混合着墨所创作而成的画作，它并非单纯只是一种绘画的表现体例，在更为常见的时候，人们会把它当作中国传统绘画的典型代表，进而将它称作国画或者所谓的中国画 。
仅用水与墨就能完成的，是最基本的水墨画，这种水墨画体现的是黑白两色，而色彩缤纷的工笔花鸟画，属于更为复杂的水墨画，人们常常把这种进阶的水墨画称作彩墨画 。
在中国绘画史上，水墨画占有着极其重要的地位，它起始于唐代，成就于五代，在唐以前，色彩始终在绘画里居于主要位置，古人将青、黄、赤、白、黑这五种颜色都视作正色，因而但凡绘画无不是要赋予色彩的，“六法”论当中存在有“应物象形”以及“随类赋彩”这两大法则。
唐之后，从王维起始，水墨画在画坛渐渐发展起来，色彩绘画慢慢淡化，进而任何颜色都由“黑”这一种颜色来承担，以至于后来 “画以墨作为主要，以色当作辅助”，更是突出了墨的主要地位，形成了有特色的中国水墨画艺术。
第一，水墨画以笔法被当成起主导的基础，并且充分地发挥墨法所拥有的功能。第二，「墨即是色」这种理念存在，它是用墨的浓淡变化去替代于色的层次变化。第三，如此这般达成了「墨分五彩」的艺术效果。第四，凭借这些最终让水墨画于中国画史上确立了重要地位。
「水墨画」有何表现特征？
山水、花鸟是中国传统水墨画多常用的题材，毛笔、墨以及宣纸是其所用工具，干墨、湿墨、浓墨、淡墨、焦墨可依据水与墨的不同比例调配得出，画作大体能呈现出白、黑、灰三种颜色，然而并不限定于这三种颜色，工笔花鸟画这种被称作彩墨画的，常常会用到更为多样绚丽的颜色。
用毛笔来作水墨画，毛笔有中锋笔，侧锋笔，还有顺锋笔及逆锋笔，绘画技艺包含点染、擦、破墨、拨墨等。传统的水墨画大多是在宣纸上完成作画，后来经过改革创新，也能够在衣服、壁纸、身体等不同材质上面去创作水墨画。
更加深入的水墨画创作方式当中存在着独特具有代表性的“泼墨山水”法，也就是先把墨在画笔上蘸取，然后把墨泼洒到纸张上面，接着依据墨呈现出的形状凭借自身灵感进行创作。这种方法对于皴法有着大量的运用，在开始作画的时候需要画师心中有山水的形状，所以对于画师的绘画能力的要求极大。
墨，是中国画特有的一种绘画材料，画家们会调配墨的浓淡，以此来表现画作里不同的层次，像浓墨这一种，还有干墨，焦墨，当然啦，淡墨亦是其中之一等 。
西方写实绘画与之不一样，中国传统水墨画不会单单局限于世间万物的外在轮廓，更着重强调「以形写神」以及「似与不似」的那种境界，更多情形下，水墨画在笔墨之间会流露出画作作者的主观情趣，追求「意境」甚至是「境界」。
像墨这般的、还有水以及那种纸，它们能够相互交融在一起，进而会产生好多不同程度的那种渗透，最终达到一种灵透的艺术效果。因为水墨和宣纸相互交融这种浸透，会产生一种好像像又好像不像的意外效果，能让人产生丰富的想象空间，所以呢，对于同一幅作品，大家却能够有不一样的理解。
点线面作为水墨画创作里的基本要素，在此基础上，我国水墨画创作中，画面形式与构成元素方面，循序渐进地出现了渐变一种样式，还有密集这种情况，以及肌理这一表现，重复这一形态呈现，色彩对比这种现象，色彩混合这种状况等 。
我国传统的那种水墨画，重点是在于去追求意境方面的美，借助一些恰当的对比能够使得整个画作变得更为丰富，以吴冠中的那些画作为事例开展分析，能够瞧出他对于构成元素的运用是极为熟练的，把传统水墨画的重要精髓发挥到了彻底充分的程度 。
我国水墨画，于色彩运用方面，更多是依傍传统线性造型，即「以线为骨，以色为肉」的方式。以王立全《高峰秀色》这幅全水膜山水画来看，整个画面层次特别清晰，当中色彩的运用，更让整座山峰呈现出极为磅礴的气势，显得冷峻又巍峨。作者把大量冷色调加以运用，从而将高峰的巍峨俊俏给展现出来，其山峰层峦叠嶂的样子，更是让整个画作色彩的灵活运用得以更突出地呈现。
传统水墨画，在作为艺术绘画基本语言方式的“笔墨技法”方面，持续地将自身发扬光大。水墨风格的发展进程，划分成三个不同时期，分别为工笔时期、小写意时期、大写意时期。从工笔时期开始，逐步发展至小写意时期，而后又演进到大写意时期，这样的一个进程，便是写意化的过程。在造型方面，从“收”的状态发展到“放”的情形。在情绪寄寓层面，由“隐”的状态变为“显”的状态。并且从整体上来观察，写意化的趋势是越发显著的。
从绘画风格来讲，工笔这种形式能够被称作是文人画，然而工笔它属于对画家自身本性的一种规范，与之相比，写意画在经由对本性就行规范之下，实现了相对的突破以及情感的爆发，可是过度地规范本性易于使得画面变得呆滞刻板，不过要是过度地放纵本性，又容易致使画面失去控制，这两种情况均违背了中国画的创作原原则。
如何制作与鉴赏一幅「水墨画」？
中国传统水墨画，相较于西方绘画对形式美那般受到重视，更注重意境美。它有着，飘渺空灵且抽象朦胧的艺术效果，把水同墨以及宣纸的材料特性运用发挥到了极致，将墨对宣纸的渲染渗透之美体现得极为彻底。其采用具象与抽象相融合的表达方式，给予人以无尽的遐想空间，其意境之美都在水墨浓淡层次当中。
我国南北朝时期谢赫所著的《古画品录》，开启了中国水墨画品评理论体系的初步构建，他提出了针对水墨画品评鉴赏的「六法论」。
对水墨画进行鉴赏时，谢赫在他的论著里，从六个方面详细阐明了，这六个方面当中，有「气韵生动」，有「骨法用笔」，有「应物象形」，有「随类赋彩」，有「经营位置」，还有「传移模写」 。
对一幅画作而言，在取材方面，在构图方面，于运用手法技巧之时，都要尽力促使作者的情感以及思想灌注进去，从而令画作能够呈现出活泼泼可感的状态，具备既有着神韵又兼顾形体的独特气质，进而能让观画之人与作者更加容易产生思想上的相互碰撞以及情感方面的彼此交融，而这正是水墨画最为关键的灵魂所在，也就是所谓的「气韵生动」 。
事物外在形态的描摹是“骨法用笔”，作者仔细观察揣摩事物的本真形态，巧妙运用各种笔墨技巧，让实物跃然于纸上，并且力求以形写神，使得神形相辅相成 。
「应物象形」是一种创作方法，这种方法是以事实作为依据来对实物的特征进行具象表达，然而在进行创作的时候并不会被局限在于此，作者能够通过对现实事物展开提炼以及联想，把具象跟抽象的创作手法融合得恰到好处。
“随类赋彩”那是针对画作题材颜色的搭配以及使用，依据时间、光线等方面不同，色彩在写实基础之上存在着较小的变化。
将“六法论”看作相对比较系统完善、运用较为广泛的品评鉴赏标准以及方法，除此这种画论表现形式之外，于中国画的历史发展进程当中，另外还存在着像《魏晋胜流画赞》《启蒙卷》《论画》《古画品录》《二十四画品》《画史》《南阳名画表》《画鉴》《中麓画品》等诸多用于品画的论著了。
凭借中国文化以及新时代精神所进行的品评与鉴赏，中国各个朝代的鉴赏品评人士，从不一样的视角、不同的思想出发，论述了有关鉴赏品评的理论与方法，像宋代着重于「工谨细丽」，明代董其昌提出的「南北宗论」，乃是明清时期品评鉴赏的主流标准。
传统美学体系施加影响，致使中国水墨画着重的是主观表现的艺术进程，此进程乃心灵向外的转化，并非在于传递外形，而是意在传达神韵。中国传统水墨画向来不以呈现物象当作目的，而是倡导构建主观意象，凭借物象去展现艺术家心灵深处的情感，画家借助「以画悟道」这种方式，进而来找到自己的心灵家园，以此表达其独立的思想、灵魂。
举个例子，中国人对梅兰竹菊有着由衷的喜爱，还将它们称作「四君子」，古往今来众多画家总是不厌其烦地去展现梅兰竹菊，这并不是单纯地进行写形描物，而是意在借助植物的生长态势来呈现人的精神，展现它们傲霜、傲雪的那种高尚品格。就比如说画史上有着卓越成就、堪称墨梅大家的王冕，王冕笔下出现的梅花具备风格高雅的特质，有着清气逼人的感觉，时常是以墨笔去点染梅花而不做勾勒，所呈现出的画面有着空灵萧散的韵味，全然尽显简率、野逸之气，切实真正地达到了「梅人合一」的境界 。
即换一种说法来讲，中国传统的水墨画，并非是以呈现物象原本的面貌当作宗旨的，甚至能够对物象自身的颜色予以忽略，所以，竹能够是「墨竹」或者「红竹」，梅能够是「墨梅」、是「绿梅」；不管是竹也好、还是梅也罢，仅仅都是为了传递情感表达心意，寄托情愫畅快胸怀的一种手段，就如同石涛所说的：「是竹石兰皆是道，乱涂大叶君莫笑。香风满纸忽然来，清湘倾出西厢调」。
